Дэниел Диксон, один из сотрудников iZotope, написал для блога компании заметку, в которой порассуждал о двух подходах к продюсированию треков, применяющихся сегодня. Один консервативен и фокусируется на строгом разделении написания, аранжировки, записи и сведения, а последовательность этапов определена заранее и не предусматривает внесения изменений в проект. Второй — более современный, получивший название «Сведение при написании», и предполагающий параллельное выполнение всех этапов. По мнению автора, оба подхода имеют право на существование, и обладают собственными плюсами и минусами.
Редакция SAMESOUND.RU приводит адаптированный перевод текста.
Из-за того, что при написании, аранжировке и сведении музыки используются одни и те же программы и плагины, границы между этими процессами сильно размыты. Определить, где заканчивается один этап работы над песней и начинается другой невероятно сложно. Появившаяся вместе с развитием музыкальных и компьютерных технологий концепция «Сведение при написании» оказала невероятное влияние на процесс создания современной музыки, но вместе с тем она же является одним из самых спорных моментов продакшена в нынешнем его виде.
Задолго до того, как песня написана, мы активируем плагины на мастер-канале, определяемся с панорамированием и компрессией. Мы ещё не придумали партии инструментов, но уже решаем, на каких уровнях громкости они зазвучат в миксе. В принципе, если мы можем решить это здесь и сейчас, то какой смысл дожидаться завершения написания песни?
Вопрос читателям
Каждый из нас работает так, как ему удобно. Расскажите, как вы обычно продюсируете трек? Делаете ли все параллельно или предпочитаете строгое разделение? Как относитесь к подходу «Сведение при написании музыки»?
Один за всех
В отличие от популярной музыки, где длина песни, её размер и выбор инструментов ограничены, электронные музыкальные жанры более открыты нестандартному подходу к работе. Написание треков в танцевальной и электронной стилистике неразрывно связано со сведением: зачастую звучание мелодий диктуется саунд-дизайном, а отдельные инструменты и сигналы обязаны своим звуком эквалайзеру, компрессору, параметрам автоматизации и многим другим вещам. Композиция ещё не готова даже на треть, но саунд практически всех инструментов аранжировки уже сформирован плагинами.
При таком подходе постепенно собирается библиотека звуков и пресетов, готовых к использованию в любой момент. Такой каталог мощно повышает эффективность: вместо того, чтобы каждый раз крутить всё с чистого листа, можно писать музыку на основе звуков и настроек, которые уже сведены. Это экономит десятки часов, а единственное, что остаётся — слегка подстроить все дорожки под каждый конкретный случай. К тому же, если после правок партия звучит не очень, её можно без проблем переписать, так что гибкость работы у такого подхода невероятно высока.
Тем не менее у сведения при написании музыки есть две проблемы, избежать встречи с которыми непросто: увернётесь от одной — нарвётесь на другую. Увлечение вращением ручек сильно ограничивает творческий процесс. Менять настройки можно бесконечно долго, но даже самый крутой и жирный звук не делает трек интересным — слушателям попросту нечего оценивать, ведь как таковой песни нет. На выходе музыканты либо не выпускают ничего, либо выпускают бесформенное нечто — саунд отличный, но содержание на нуле.
Те, кто понимают это, часто становятся заложниками обратной ситуации. Боясь застрять в продакшене, музыканты забивают на сведение в погоне за быстрым и громким результатом. Вместо того, чтобы грамотно подготовить трек к релизу, люди хаотично накидывают на мастер-канал плагины, которые ограничивают сигнал и задирают громкость. В итоге на выходе получается инвалид — песня хороша сама по себе, но звучит отвратительно.
Излишнее увлечение вращением ручек — основная проблема современных продюсеров и музыкантов. Из-за этого многие треки так никогда и не выходят за границы студии.
Определить, подходит ли вам такой подход, можно следующим образом. Создайте проект, в котором вы всё сделаете параллельно. Доведите его до логического конца и сохраните изменения. Теперь сделайте копию этого проекта, уберите из него все плагины и забудьте о нем на некоторое время. Спустя пару дней откройте копию и сведите её. Сравните результаты: если первая версия звучит лучше — пользуйтесь сведением по ходу написания, если же вторая — работайте поэтапно. Метод очень топорный, но иначе найти подходящий метод работы сложно.
Разделяй и властвуй
Продюсер и звукорежиссер — две отдельные роли с разным набором навыков. Популярная музыка смотрит на работу с треком, как на комплекс задач, выполняемых множеством людей: музыкантов, продюсеров, инженеров, техников и звукорежиссеров. По этой причине одни этапы требуют концептуального и творческого подхода, другие — более сфокусированного и структурированного взгляда. Логика в том, что каждый должен заниматься своим делом: продюсер — писать музыку, звукорежиссер — сводить её.
Обычно работа над песней проходит в пять этапов:
- Написание — создание скелета песни, определение тематики и настроения, размера, тональности, темпа и написание текста
- Композиция — написание и запись инструментальной части, вокала
- Аранжировка — дописывание недостающих элементов, расположение партий по треку
- Сведение — обработка отдельных дорожек, устранение частотных конфликтов и придание треку желаемого звучания
- Мастеринг — финальные творческие и технические доработки перед выпуском песни
Главная особенность при таком разделении в том, что каждый шаг изолирован от остальных. Откатиться назад, чтобы исправить или переделать что-то уже не выйдет: продюсеру не под силу переписать текст песни, а звукорежиссер не может пересмотреть аранжировку.
В теории, поэтапный подход значительно повышает итоговое качество трека. При параллельной работе мы выступаем и в роли звукорежиссера, и в роли продюсера, а сведение становится всего лишь дополнением к написанию. При разделении процессов мы уделяем каждому этапу должное внимание, не отвлекаясь на другие задачи, поэтому сведение становится переходной фазой на пути от демки к законченному треку. Конечно, такой вариант работы потребует знаний во всех областях продакшена и займет больше времени, но это компенсируется равномерной прокачкой: музыкант равномерно развивается и как композитор, и как продюсер, и как звукорежиссер.
С другой стороны, если каждый должен заниматься своим делом, то лучше стать про в чём-то одном, чем нахватать поверхностных знаний по всему продакшену. Такой взгляд на вещи пригодится новичкам: можно отдать какие-то этапы работы над треком на аутсорс и переключиться на развитие тех навыков, которые вам реально интересны. Проблем в таком развитии ровно две: поиск подходящих людей, чья работа понравится вам, и деньги, так как далеко не все согласятся сводить или аранжировать ваши опусы за идею.
И что в итоге?
Какой путь выбрать — каждый решает сам. Сегодня музыкальная индустрия стала местом, где всего лишь один человек за компьютером может спродюсировать и выпустить качественный коммерческий хит. Композиторы превращаются в универсалов, которым под силу сделать всё в одиночку, а границы между музыкальными профессиями размываются. Хорошо это или плохо — вопрос открытый.
Проблематика современной музыки
Тяжелая профессия композитора, или Как мы стали мастерами на все руки
Вы — то, что вы слушаете, или Как писать актуальную музыку
Вдохновение — это девушка, которая вас френдзонит. Не ждите его
Музыка — это не долг, а саморазвитие
«Здесь… нет ничего»: Почему музыка современных композиторов такая страшная?
What's Your Reaction?
Источник: